MISTERIO EN LAS PROFUNDIDADES


LAS ESTRUCTURAS DE YANOGUNI

En 1987 el submarinista japonés Kihachiro Aratake director de la Asociación de Turismo de Yanoguni Cho buscaba un mejor lugar para observar los tiburones martillo, ya que en invierno buceadores aficionados acudían a la zona por sus hermosos fondos marinos, cuando descubrió unas enormes estructuras submarinas que nunca antes había visto, y que parecían realizadas por el hombre. Informado del descubrimiento, Masaaki Kimura, geólogo marino de la Universidad de Ryukyus, Okinawa, visitó las formaciones con un equipo de científicos. Sus conclusiones fueron sorprendentes: Las estructuras submarinas eran naturales, pero habían sido modificadas por el hombre en algún momento de un muy lejano pasado.

Desde ese momento se sucedieron las especulaciones, y las estructuras submarinas de Yanoguni se convirtieron en fuente de todo tipo de teorías desde las que negaban la intervención humana hasta las que las achacaban a civilizaciones desaparecidas pasando por supuesto por las recurrentes intervenciones alienígenas.

Aún hoy los expertos no se ponen de acuerdo en la datación de las estructuras, en sí son artificiales o naturales, en sí intervino el hombre o no. Para Kimura no hay ninguna duda de que los restos encontrados pertenecen a una civilización desaparecida hace 10 milenios, posiblemente la base para la que en Japón conocen como la legendaria civilización de Mu. El geólogo Robert Schoch de la Universidad de Bostón afirma que son formaciones naturales, aunque sin descartar que fueran modificadas por el hombre en algún momento en que estas estuvieran sobre la superficie. Los más acérrimos partidarios del trabajo del hombre ven caras al estilo de los moais de la isla de Pascua, y signos al estilo de los petroglifos.

Kimura dio una fecha inicial de 8000 años a.C., pero un terremoto ocurrido en 1998 destruyó parte de las estructuras, pero también puso al descubierto algunas nuevas, como una estructura en forma de zigurat mesopotámico. Así en el 2007 en una nueva revisión de los datos obtenidos Kimura acercó la fecha a unos 2000 0 3000 años, aunque añadió que se podían observar cosas como una pirámide, un camino, castillos, un estadio, y diversos monumentos, algo que la verdad a la vista de las imágenes es más producto de su imaginación y deseo que de una realidad palpable (Vamos que el bueno del hombre se ha emocionado un poquito).

La realidad es que el monumento principal, formado básicamente por areniscas del Mioceno, es una estructura rectangular  de 150 por 40 metros, de unos 27 metros de altura, y con una parte superior a 5 metros bajo el nivel del mar. Algunas de sus peculiares estructuras comprenden: dos pilares muy próximos entre sí, una cornisa en la base de unos 5 metros de ancho en tres de sus lados, una columna de piedra de 7 metros de alto, una pared recta de 10 metros de alto, una plataforma con forma de estrella, y una roca en forma de L.

Patrick D. Nunn, profesor de Geociencias oceánicas de la Universidad del Pacífico Sur, no ve nada que le haga dudar de que nos encontramos ante estructuras geológicas naturales, como los acantilados de pizarra de Sanninudai, o la Calzada de los Gigantes

Las imágenes son lo suficientemente impresionantes para hacernos reflexionar, y la acción de la Naturaleza no parece explicar los ángulos y cortes de la piedra, pero sí fue el hombre quién modificó estos megalitos, ¿cuándo y cómo lo hizo?, ¿qué herramientas empleó?, y lo que es más importante ¿dónde están los demás restos de su cultura material? Un sólo conjunto de estructuras por espectacular que sea  no aporta nada o muy poco al conocimiento de sus constructores. Si Yanoguni pertenece a la desaparecida civilización de Mu, a la Atlántida, o  a cuatro marcianos despistados, la exploración del contorno y no sólo del monumento, acabarán por confirmar o negar las especulaciones de unos y otros. Hasta entonces os dejo las imágenes  del extraño monumento.


LOS ANTEPASADOS DEL HOMBRE

LA ODISEA DE LA ESPECIE


Título Original: L´Odyssée de l´especè



Año: 2003



Nº de Episodios: 3 (52 min. cada uno)



País: Francia


Director: Jacques Malaterre



¿Quién fue el primero de nosotros? ¿Y cómo llegó? Un mono extraño está a punto de nacer. Algo distinto a los demás. Sus padres viven en los árboles, duermen en las ramas por miedo a los predadores que merodean por el suelo. Él no. No vivirá como ellos, dejará los árboles y se levantará sobre sus patas traseras. Su audacia le empuja a explorar el mundo de abajo. Llega el primer prehumano y va a cambiar la faz de la tierra.

"La odisea de la especie" es una película documental francesa realizada por Malaterre que se emitió en varias televisiones como una miniserie de tres episodios. En ella se repasa la historia de la evolución humana hasta llegar a nuestros auténticos ancestros, el Homo sapiens. De una forma amena se narra de forma magistral los pasos evolutivos que llevaron a la aparición de nuestra especie.

El documental se presenta de forma dramatizada sin intervención de expertos ni explicaciones redundantes haciendo hincapié en la fuerza de las imágenes. En forma de pequeños episodios protagonizados por un miembro de la especie tratada seguimos las desventuras de Australopitecus, Homo hábilis, Homo ergaster, Homo eresctus, Neandertales, etc, intentando sobrevivir en un medio hostil.

Se vea como película o miniserie, "La Odisea de la Especie" es una de las producciones más entretenidas y didácticas dedicadas a la evolución que se hayan emitido en la televisión. Se demuestra con ella que se pueden hacer productos de calidad para todos los públicos. 

El documental abrió un nuevo camino a la manera de presentar la historia de la evolución, y el espabilado director francés encontró un filón en ella, hasta dos continuaciones realizó de esta primera producción, "La Odisea de la Especie II. Homo Sapiens", y la ya comentada "El amanecer del hombre", a veces conocida como "La odisea de la Especie III".

En youtube podéis disfrutar del metraje completo en su versión fílmica y en español. 

LOS DINOSAURIOS EXPRESIVOS

AGE OF REPTILES


Título Original: Age of Reptiles



Guionista: Ricardo Delgado



Dibujante: Ricardo Delgado



Año de Publicación: 1993-2009



País: Estados Unidos


Un Pterodáctilo se despierta en su nido al salir el sol, despliega las alas y planea sobre un frondoso valle. Abajo pace tranquilamente un gigantesco herbívoro, pero su tranquilidad termina cuando un grupo de deinonychus lo elige como su presa. La caza termina en victoria y banquete para los voraces carnívoros, pero la llegada de un Tyrannosaurus termina con el festín. El Rex de espalda azul se hace con la presa abatida. La banda de los deinonychus se lo toma como una afrenta. La guerra está servida.
"Age of Reptyles" es un cómic atípico, lleno de acción, violencia, y aventura, donde no hay ni diálogos ni bocadillos explicativos, sólo impactantes y coloridos dibujos, y donde los protagonistas son dinosaurios; unos dinosaurios carnívoros en su lucha por la supervivencia en la Era Mesozoica. La serie consta de tres historias: "La guerra tribal", "La caza", y "El viaje"; historietas que fueron recogidas por la editorial Dark Horse, y que en España se han editado en una volumen único.


El norteamericano de origen costarricense Ricardo Delgado ganó el premio Eisner por la serie, y es un experto diseñador de storyboards para películas de todo tipo desde "Star Trek: Primer Contacto" hasta "Los Hombres de Negro", además de participar en películas de animación como Los Increibles". Esta experiencia se nota a la hora de afrontar unos cómics que tienen mucho de película, y una pizca de documental. La elección de J. Sinclair para el color en las dos primeras historias dota a estas primeras aventuras de una viveza y una frescura que se pierde en la tercera en la que J. Campbell no es capaz de conseguir a pesar de recurrir a unos colores más reales. "El viaje" es casi una colección y desfiles de dinosaurios en masa en unas viñetas que desbordan carne de saurio. Las dos primeras historias con sus chocantes colorines son sin embargo impresionantes, llenas de expresividad, sobre todo en "Guerra tribal" donde Tiranosaurios y Deinonychsus se comportan como si fueran dos bandas de gangsters enfrentadas por el control de un territorio, aunque esta vez no sea Chicago.

El realismo y detalle con el que se dibuja a los dinosaurios es realmente espectacular. Delgado trasmite sin palabras lo que muchos no consiguen llenando los cómics de farragosos textos. Cierto que no siempre está igual de acertado, y  en alguna de sus historias tienes que retroceder páginas, y mirarlas con detenimiento para saber que está ocurriendo, pero por lo general es un deleite para la vista.

Esta Edad de los Reptiles hay que leerla rápido devorando cual voraz saurio las páginas, para después releerla, o mejor revisionarla, saboreando así los detalles del dibujo que llenan las páginas de forma magistral. ¡Ah! y por cierto, a pesar de la temática o los colores llamativos, no es un cómic para niños.

Delgado ha publicado una nueva serie de sus dinosaurios "Ancient Egyptians" de la que hablaremos en una próxima entrada, mientras, os dejo una muestra de su arte para que juzguéis. La pagina de la izquierda está coloreada por Sinclair, y la de la derecha por Campbell.

LAS ADORADORAS DEL RINOCERONTE BLANCO

MUJERES PREHISTÓRICAS


Título Original: Slave Girls


Año: 1967


Duración: 90 min.


País: Inglaterra


Dirección: Michael Carreras


Reparto: Martine Beswick, Edina Ronay, Michael Latimer, Stephanie Randall.

David Marchant es guía de safaris en África, cuando uno de sus clientes falla el tiro, y deja herido a un leopardo, el joven a pesar de estar anocheciendo se interna en la jungla en persecución del animal.  Una  extraña tribu captura al explorador que los llevan a su santuario para sacrificarlo. A punto de morir David toca una estatua de un rinoceronte blanco, y estalla un rayo que abre un pasadizo a otro mundo, un mundo poblado por primitivas pero bellas mujeres.

"Mujeres Prehistóricas", o como se titulaba originalmente "Las esclavas", es otro de los films salidos de la factoría Hammer  dentro de lo que se llamó el genero de las "cave girls", es decir las chicas cavernícolas. El éxito conseguido con "Hace un millón de años" (1966) animó a los productores a realizar una nueva película donde rubias y morenas enfrentadas a muerte lucieran poca ropa y pululearan por un mundo supuestamente prehistórico. La realidad es que la protagonista, Martine Beswick no era la Welch, y el director Michael Carreras no era Don Chaffey, director de dos de los éxitos prehistóricos de la Hammer, la mencionada "Hace un millón de años" y "Criaturas olvidadas del mundo".

El film no cuenta con demasiado presupuesto y lo que es peor con ganas. Está realizado para aprovechar el tirón de un éxito de taquilla sin poner ni mucho dinero ni mucho interés. Todo en la película es de baratillo, las supuestas macizas parecen salidas de la playa del pueblo, sus eróticos bailes más que despertar el frenesí sexual matan de aburrimiento; las exóticas localizaciones han sido sustituidas por un decorado de estudio reutilizado de la anterior película, y los espectaculares efectos especiales de Harryhausen brillan por su ausencia sustituidos por un rinoceronte de manualidades movido sobre un carrito con ruedas.

La película no resiste las comparaciones con la precedente, ni tampoco con las dos siguientes que afortunadamente no siguieron sus pasos. Pero como todas las comparaciones son odiosas, intentemos olvidarnos de los otros films, y veámosla como lo que realmente es, una película independiente. Pues tampoco es que así gane mucho. El guión es más bien flojito, la interpretación no existe, y en general la película no da para mucho. De prehistoria sólo tiene el título, y eso porque se le cambió el de "chicas esclavas" por "mujeres prehistóricas" que sonaba más decente, porque de lo demás nada. Los británicos siguen con su obsesión de que los rubios o rubias son la caña, y los morenos/morenas unos guarrillos de cuidado (Se conoce que tuvieron malas experiencias veraniegas en Benidorm y les quedó el trauma), y que los hombres tan pronto ven un par de poderosas "razones" pierden el norte (En eso parece que están en lo cierto, o eso dicen las chicas).

En general la película no ofrece mucho más que un film de aventuras más bien ligeras, y no lo digo por la escasez de ropa, sin pretensiones, y para los nostálgicos de la serie B de la Hammer y las chicas cavernícolas.

Ahí os dejo el trailer original para que os motivéis con los sensuales bailes de los mozas prehistóricas, aunque más que bailar parece que sufren de algún tipo de espasmo.
  
   

DOS VIAJEROS PALEOLÍTICOS

EL HIJO DE LA GARZA



Título Original: El Hijo de la Garza



Autor: Antonio Pérez Henares



Año de Publicación: 2002



País: España




Hijo de la Garza pertenece al clan Nublares, es hijo de Viento en la Hierba, y está bajo la protección del poderoso jefe del clan, Ojo Largo, amigo de su fallecido padre.  El Arquero es un joven que pasa por ser hijo del jefe. Los dos muchachos comenzarán un viaje iniciático que supondrá su paso a la edad adulta.   

"El Hijo de la Garza" es la segunda parte de la trilogía comenzada con "Nublares". Al igual que la anterior novela se centra en un clan prehistórico durante el Paleolítico en la Península Ibérica. Han pasado unos años, el anterior protagonista se ha convertido en el líder del clan, y ahora la narración se centra en la segunda generación, un par de jóvenes que salen de su entorno conocido y parten en un viaje que les enseñará muchas cosas, conocerán nuevos clanes, otras formas de entender la vida, verán el mar, y encontrarán gentes y situaciones nuevas que les llevará a crecer como personas y a encontrar el amor.

"El hijo de la Garza y el Arquero conocieron muchas tribus; atravesaron los territorios de innumerables clanes; participaron en grandes cacerías; acamparon en las orillas de incontables ríos; hicieron su fuego en promontorios, calas y playas arenosas de todo el litoral del Gran Azul, cruzaron la más alta cordillera que pudieron soñar y contemplaron a los pies de la nieve un mar aún más azul y unos valles aún más cálidos donde fructificaban las higueras y los granados. También pescaron los más extraños peces; abatieron animales desconocidos; comieron las más raras carnes de mamíferos, aves, anfibios, reptiles y peces; aprendieron a fabricar armas novedosas, descubrieron el buen corte de las conchas marinas y emplumaron sus flechas con plumas de los más vistosos colores de pájaros que no habían visto nunca. Fueron recibidos en muchos poblados con hospitalidad, de otros tuvieron que alejarse y de algunos hubieron de huir para salvar sus vidas, pero su leyenda fue creciendo mientras vagaban de un lugar a otro, y hubo gentes que a veces se les unieron en su camino; compartieron sus pieles y su placer con muchas mujeres, y fueron despreciados por otras a las que desearon."

Si la anterior novela iba de jóvenes rebeldes, ésta va de los típicos "mochileros" que se largan a recorrer mundo buscando su camino como jóvenes hippies de los 70, pero en la prehistoria. La historia no aporta gran cosa con respecto a la anterior, si excluimos algunas de las innovaciones o mejoras que los muchachos van encontrando en su camino, incluida alguna tribu que está entrando ya en el Neolítico. Se continua algunas de las tramas abiertas en la primera novela, y se abren nuevos tramas al introducir nuevos personajes que van a tomar el relevo de los antiguos. 

Es una novela corta, relativamente fácil de leer, y que no ofrece grandes complicaciones al lector. Algo de información sobre la Prehistoria peninsular, un poco de aventurillas, y un par de jóvenes protagonistas en busca de nuevas experiencias, es lo que ofrece el libro de Antonio Pérez, ni más ni menos.

LOS CABALLEROS DE LA MESA REDONDA

ARTURO Y SUS CABALLEROS

Las leyendas relacionadas con el rey Arturo han atraído desde su nacimiento la imaginación de las gentes. Sus valerosos caballeros y sus hazañas han hecho correr ríos de tinta y metros, mejor kilómetros, de celuloide. Repasemos cuántos y quiénes eran los que se sentaban a la mesa del rey, y quiénes los representaron. La mesa era redonda para afirmar la igualdad de todos los caballeros entre sí, y a ella debían sentarse 12 a imitación de los apóstoles de Cristo, dejando un asiento libre, el asiento reservado para el caballero sin tacha, al revés que en el Nuevo Testamento que era la silla de Judas. Evidentemente hay más de 12 caballeros, pero el núcleo central lo representan los llamados 12 grandes. 

Arturo. El Rey Arturo es el mítico gobernante de Camelot, fundador de la Tabla Redonda, y defensor de Gran Bretaña frente a las invasiones sajonas. A caballo entre la Historia y la leyenda sólo se puede especular con quien fue realmente este rey, si es que alguna vez existió. La literatura lo sitúa a principios del siglo VI, aunque a quien prefiere ver en él a un personaje anterior, de los tiempos en que Roma abandonó las Islas Británicas. Un retrato de Butler de 1903 lo presenta autocoronándose tras una batalla. En el cine ha habido numerosas películas con el rey Arturo como protagonista, una de las mejores es "Excalibur" (1981) en la cual Nigel Therry realiza una de las mejores interpretaciones del legendario rey. 
Lancelot. Sir Lanzarote del Lago es el caballero más conocido de la Tabla, amigo personal del rey, y su más fiel servidor, hasta que se enamora de su esposa la reina Ginebra. La pintora británica Eleanor Fortescue-Brickdale realizó un retrato del famoso caballero con su armadura y a caballo. El más conocido de los caballeros de la Mesa Redonda ha tenido muchos intérpretes, uno de los primeros, allá por el año 1953, fue Robert Taylor en "Los caballeros del rey Arturo". 
Gawain. Sir Gawain es sobrino del rey Arturo, y conocido por su audacia y fuerza que crece con el sol y disminuye a medida que éste va desapareciendo. Es gran amigo de Sir Lancelot, y uno de los caballeros más fieles a Arturo. Una miniatura del siglo XIV recoge el episodio del enfrentamiento entre Sir Gawain y el caballero verde. El extraño producto que fue "El caballero verde" (1984) tuvo a una estrella de la serie B como era Miles O´Keeffe en el rol del musculoso Gawain.
Galahad. Sir Galahad es uno de los tres caballeros que alcanzan el Grial, precisamente por eso era uno de los caballeros más piadosos y puros. Era el hijo bastardo de Lancelot, y formaba parte de la generación más joven de los caballeros de la Tabla Redonda. Wats (1817-1904) realizó un magnífico retrato de Sir Galahad en su búsqueda del Santo Grial. Hugh Dancy es Galahad en  "El rey Arturo" (2004), una reinterpretación histórica del mito.
Perceval. También conocido como Parsifal es otro de los caballeros que completa la búsqueda del Santo Grial. Es uno de los caballeros jóvenes que a veces el mito hace hijo del rey Pellinore. Es de los primeros en encontrar la Santa reliquia, pero falla en responder las preguntas que le darían acceso a ella. "La tentación de sir Perceval" pintado por Arthur Hacker en 1894 presenta como el caballero debe mostrarse puro para conquistar el Grial. Tom Hopper es un fornido Parsifal en la serie del joven mago " Merlín" (2008-2012).
Key. Sir Key era el Senescal de Arturo. Fue el hijo del padre adoptivo del rey Arturo, y cuando éste sacó a Excalibur de la piedra quiso atribuirse el merito, pero finalmente se retracta y es de los primeros en reconocerlo como rey.  El ilustrador americano Howard Pyle decoró el libro "La Historia del rey Arturo y sus caballeros" en 1903 con unos magníficos dibujos, entre los que se encuentra aquel que muestra el torneo de Sir Kay durante el que rompe su espada y como consecuencia provoca que su escudero, el entonces joven Arturo, tenga que conseguir una en sustitución. La serie "Camelot" (2011) tiene a un excesivamente joven para el papel Peter Mooney como sir Kay.
Tristán. Sir Tristán es un héroe sobrino del rey de Cornualles. Aunque era uno de los caballeros del rey Arturo, vio incrementada su leyenda por sus trágicos amores con Isolda. El cuadro de H.J. Draper de 1901 representa a los enamorados a bordo de un barco. Operas, novelas y por supuesto películas, se realizaron sobre el caballero enamorado, y James Franco lo interpretó en "Tristán e Isolda" (2006).
Bors. Sir Bors es llamado el desterrado para diferenciarlo de su padre. Primo de Lancelot se unió a él en la Mesa Redonda de Camelot, y fue uno de los tres caballeros que alcanzaron el Santo Grial, y el único que regresa vivo para contarlo. El prerrafaelista Rossetti recogió la escena de Bors y sus dos compañeros en la búsqueda del Grial en un hermoso cuadro expuesto en la Tate Gallery de Londres y fechado en 1864. "El rey Arturo"(2004) tiene a un Bors grandote y malhumorado interpretado por Ray Winstone.
Bedevere. Sir Bedevere es uno de los más antiguos caballeros de Camelot donde sirve como mariscal del rey. Es uno de los supervivientes de la batalla final, y en ella Arturo le encarga la misión de arrojar Excalibur al mar, algo a lo que el caballero se niega inicialmente hasta que no le queda más remedio que cumplir la última orden de su rey. El ilustrador inglés Arthur Gaskin (1862-1928) realizó un retrato del desobediente caballero. Aunque no es uno de los caballeros más retratados por el cine su intervención en la batalla final no suele pasar desapercibida. En la temprana "La espada de Lancelot" (1963) John Barrie es sir Bedevere.
Pellinore. Rey de las Islas se convierte en caballero tras enfrentarse a Arturo en un duelo y romper la famosa Excalibur. Es el padre de varios caballeros, entre ellos Perceval, y descendiente de Jose de Arimatea. Su principal hazaña es la permanente caza de una misteriosa bestia aulladora de cabeza de serpiente, cuerpo de leopardo, muslos de león y pies de ciervo. Con frecuencia aparece en ilustraciones del libro de T.H. White "The Once and Future King", como la elegida. Lionel Jeffries interpreta a un anciano rey en la película musical "Camelot" (1967). 
Lamorak. Sir Lamorak de Gales es un fiero y fuerte caballero, hijo del rey Pellinore que se enfrentó a los hijos de Lot, y murió finalmente a manos de Mordred. Una ilustración de 1922 realizada por N.C. Wyeth para la obra de sir Thomas Mallory recoge precisamente el enfrentamiento final del caballero. Es el único de los 12 grandes que nunca ha sido llevado a la pantalla sea ésta grande o pequeña. 
Gaheris. Sir Gaheris es hijo del rey Lot y Morgause, y hermano de Gawain. Participa en la emboscada contra su compañero Lamorak por haberse acostado con su madre. Muere cuando intenta impedir que Lancelot rescate a Ginebra del juicio al que había sido sometida. La ilustración elegida muestra el momento en que sir Gaheris cae bajo la espada de Lancelot, pertenece a la edición de 1912 del libro "Las leyendas del Rey Arturo y sus caballeros". El cine tiene Alexis Denisof como Gaheris en "El primer caballero"(1995).

LAS JOYAS IMPERIALES DE JAPÓN II


YATA NO KAGAMI, EL ESPEJO SAGRADO

Yata no Kagami, el Espejo sagrado es otro de los tres objetos míticos que forman parte del tesoro imperial japonés. Si la espada kusanagi representaba la valentía, el espejo será el símbolo de la sabiduría. Si la espada estaba asociada a un dios, Susanaoo, el espejo irá relacionado con una diosa, Amaterasu.

Amaterasu era la diosa del sol, y antepasada de la familia imperial japonesa. Su hermano, el dios Susanaoo, descontento con el reparto hecho por su padre, coge una rabieta de niño consentido, y comienza a comportarse como un idiota: se emborracha, arrasa los campos de arroz y llena sus canales de irrigación, tira excrementos en los templos y el palacio; y para acabar de hacer la gracia, mata al caballo celestial y tira su cadáver sobre los telares donde trabajan unas doncellas a las que causa daños irreparables con las astillas de los telares rotos (o mueren o según otras versiones daña...¡sus órganos reproductores! Mejor no preguntar por el tamaño de las astillas.) 

La diosa Amaterasu se hartó de la conducta de su hermanito, y enfadada se encerró en una cueva de la que se negaba a salir. Como consecuencia el sol no salía, y el mundo se sumió en la oscuridad y el frío, las cosechas se helaban, y la tierra y sus habitantes se iban muriendo. Los otros dioses se asustaron. Si la Tierra moría quién quedaría para adorarlos. Así que se trazó un plan para hacer salir a la diosa de la gruta en la que se había refugiado.

La diosa Amaterasu saliendo de la cueva. 1857
Los dioses montaron una ruidosa fiesta en el exterior de la cueva, algo así como un botellón divino. Ama no Uzume, la diosa de la danza, la fertilidad y la felicidad, volcó una tina llena de agua, y se puso a bailar a su alrededor mientras se arrancaba la ropa, enseñaba los pechos, y se contoneaba, claro está que la fiestera diosa aumentó aún más el escándalo y ruido que ya de por sí era considerable. Con semejante algarabía era de esperar que la eremita asomara la cara para ver que estaba pasando (entonces no había el recurso de llamar a la poli o ponerse unos tapones para los oídos). El dios de la inteligencia había colgado un espejo enfocado hacia la entrada de la gruta. Cuando Amaterasu preguntó que ocurría, se le contestó que había una nueva Megami (diosa), y le señalaron el espejo. En el espejo vio un ser brillante y luminoso, que resultó ser su propio reflejo. Mientras se distraía con su propio reflejo que nunca antes contemplara, los otros dioses sellaron la caverna tras la diosa. Luego convencen a la enfadada divinidad de retornar a sus divinas tareas.

Ya tenemos de nuevo a la diosa dedicada a ejercer de tal y al espejo sagrado asociado permanentemente con ella. Amaterasu encargó a su nieto que pacificara la tierra de Japón, algo que su descendiente fue incapaz de realizar. La diosa se vuelve entonces hacia su bisnieto, Jinmu, que sí completa la tarea asignada por la diosa, y se convierte en el primer emperador del Japón.

Emperador Jinmu.. G. Adachi. 1891
Jinmu que, según las crónicas, reinó desde el 11 de febrero del 630 a.C. hasta el 585 a.C., recibió de su divina antecesora tres regalos que desde entonces irían asociados a la familia imperial japonesa: la espada Kusanagi, de la que ya hemos hablado; el collar Yasakani, del que hablaremos en una próxima entrega, y por supuesto, el espejo Yata no kagami, del que estamos hablando. La diosa al entregar a su bisnieto el espejo le dijo: "Piensa que este espejo sagrado no es más que yo misma, cuídalo y adóralo por siempre".

El espejo, cuyo nombre significa espejo de las ocho manos por el dibujo octogonal interno, según algunos contenía en su reverso una serie de inscripciones con las instrucciones para el regreso de la divinidad. El tipo de espejo circular de bronce se originó en China, pero con la difusión de la técnica del trabajo en bronce saltó a Japón, donde se han encontrado algunos en varias tumbas. El espejo sagrado sin embargo estuvo asociado siempre a la familia real, y el emperador lo mandó colocar en lugar seguro. El sintoismo creía que el espejo no reflejaba sólo nuestra imagen sino también nuestra alma, por ello los santuarios sintoistas tenían espejos, y el Yata no kagami se encontraba en el interior de uno de estos templos, el de Ise, en cuyo santuario interior, el Naiku se cree se guarda el espejo sagrado.

Sin embargo el espejo no siempre estuvo a salvo. En el año 1040 la reliquia se quemó en un incendio. No se sabe si se perdió totalmente o no. A veces se afirma que el actual espejo se realizó a partir de los restos del original. También existe confusión en torno al lugar en que se guardan los objetos sagrados, pues se afirma que se repartieron en diferentes santuarios, y otras veces que están en el mismo. Pero es que el emperador Sujin (97 a.C.- 30 a.C.) mandó realizar copias de las reliquias, lo que contribuye a aumentar aún más la confusión y el secretismo sobre el destino final de los objetos.

MacArthur y Hiro Hito en 1945.
Poseer los objetos sagrados dotaba a la casa imperial reinante de la necesaria legitimidad. Así desde el año 690 la presentación de los objetos al emperador por parte de los sacerdotes del Shinto formaba parte de la ceremonia de coronación. Tan importantes fueron que en el siglo XIV durante el período de las dinastías del norte y el sur, cuando la Dinastía del Sur se apoderó de los objetos sagrados, los utilizó para confirmarse como los legítimos herederos del trono imperial.

El propio emperador Hirohito después de la conferencia de Postdam en julio de 1945, estaba más preocupado por reubicar los objetos sagrados que por el destino de su país, así ordenó al Guardián Imperial del Tesoro, "protegerlo a toda costa".

LOS COMIENZOS DE ARTURO

CAMELOT


Título Original: Camelot


Año: 2011


Nº de Episodios: 10 (50 min. cada uno) 


País: Estados Unidos


Creador: Michael Hirst, Chris Chibnall


Reparto: Jamie Campbell Bower, Eva Green, Joseph Fiennes, Tamsin Egerton, Peter Mooney, Clive Standen. 


El rey Uther recibe un visitante inesperado, su desterrada hija Morgana. Pero el rey reniega de su hija a la que termina por expulsar. Un hombre corre para llegar hasta la fortaleza de Uther, es Merlín, pero no puede evitar que el rey sea envenenado por una sirvienta. El rey fallece no sin antes firmar un documento que le pone delante Merlín. La sirviente que envenenara la copa del rey a salvo de miradas indiscretas recupera su verdadero rostro, que no es otro que el de la hija del rey.

En esta nueva vuelta de tuerca al mito del rey Arturo se combina fantasía con aspectos más realistas, elementos de la leyenda con interpretaciones nuevas. "Camelot" buscaba ser una serie para un público adulto, alejada de las versiones de Walt Disney, o de películas familiares de aventuras. El sexo, la violencia y la intriga fueron parte de los ingredientes que se mezclaron para hacer más atractiva la nueva propuesta de reinterpretar el ciclo artúrico. Dejando de lado el nacimiento y la infancia de Arturo, la narración arranca con la muerte de Uther y por tanto con un Arturo ya adolescente, y termina con la concepción de quien será la némesis del rey, Mordred.

La serie nació a la estela de éxitos como la serie "Espartaco" y la trilogía de "El Señor de los Anillos". La fantasía y la magia, así como los elementos históricos con luchas a espada y su ración de sexo en lejanos ambientes medievales o antiguos, eran la formula acertada para garantizarse el éxito, como bien ha demostrado "Juego de Tronos". "Camelot" tenía todo eso: una pizca de magia y fantasía, romance con sus dosis de sexo, alguna que otra lucha a espada, y además se ambientaba en un mundo a caballo entre la Edad Antigua y la Edad Media. Sin embargo la serie no fue el éxito esperado, y finalmente una historia que iba para largo se quedó con una sola temporada de 10 capítulos. Los productores alegaron que no fue un problema de audiencias sino de lo costoso de la producción y de la imposible agenda de las estrellas elegidas. Pero lo cierto es que los seguidores se quedaron sin ver el final de la serie, y con la sensación de que se les había escamoteado algo.

Visto lo cual, ¿merece la pena ver una serie que está inacabada, y que estrictamente hablando no sigue los cánones de la leyenda artúrica? Personalmente yo opino que sí. Sin llegar a los niveles de otras interesantes representaciones del mito, está muy por encima de algunos de los intentos más recientes de llevar a la pequeña pantalla la leyenda de Arturo, como el caso de la serie "Merlín"(2008) que duró bastante más, y que amparándose en un público más familiar nos endilgó a un Merlín orejudo y sin gracia, un Arturo más soso que un esparrago, y una Ginebra de la que mejor no hablar. "Camelot" pecó quizás de intentar contentar a demasiados y quedarse a medio camino de todo. La serie ni se atrevió a zambullirse de cabeza en el mito, como hizo el genial Boorman en "Excalibur"(1981), ni intentó dar una interpretación histórico realista del mito, como hicieran en "El rey Arturo"(2004). Los creadores de la serie estaban demasiado pendientes de crear un producto de diseño con un par de estrellas, Joseph Fiennes como Merlín, y una estupenda Eva Green como Morgana, al tiempo que presentaban a los niños monos de turno para consolar a adolescentes de ambos sexos, todo arropado por una costosa ambientación. Quizás por ello no acabó de cuajar en el espectador. Sin embargo la serie se puede ver como un buen prólogo para asistir a los inicios del reino de Camelot y de sus legendarios moradores; y como tal es un entretenimiento ligero y fácil de digerir, eso sí como prólogo de platos más suculentos.  

DOS INVESTIGADORES AQUEOS

QUESTOR


Título Original: Questor



Guionista: Jean-Luc Sala



Dibujante: Nicola Saviori



Año de Publicación: 2011-2014


País: Francia, Italia


Troya ha caído. Un guerrero aqueo y su escudero se pasean entre los escombros humeantes y los restos del saqueo. Él mismo se presenta: "Me llamo Idomeneo Decalionida. Aeson es mi escudero. Los hijos de nuestros hijos recordarán nuestros nombres porque ese día de infamia pisamos las calles de Troya. Los aedas griegos arreglaron la Historia haciéndonos pasar por héroes frecuentadores de los dioses." Asqueado por lo que ve, el guerrero decide cambiar de profesión. Se dedicará a la justicia. Será Investigador, o lo que es lo mismo Questor. 

La saga "Questor", actualmente en curso en Francia, y de la que se ha publicado el primer arco argumental en tres volúmenes, tiene por protagonistas a dos curiosos pero típicos personajes, un guerrero idealista, y un escudero pragmático, o lo que es lo mismo un don Quijote y un Sancho Panza griegos. La premisa de la serie no deja de ser interesante, los protagonistas, antiguos luchadores en la Guerra de Troya, y ahora desencantados con el mundo, deciden dedicarse a "enderezar entuertos" por el mundo mitológico, y sus aventuras les llevaran mucho más allá de lo que ellos mismos habían imaginado.

Cómics llenos de acción, aventura, fantasía, diversión, y mucha mucha acción, las historietas de "Questor" son tremendamente divertidas, irreverentes con los cánones tradicionales de la mitología, pero plagadas de guiños y juegos de palabras. La fantasía encuentra en el brillante colorido y en los alegres dibujos del italiano Saviori un campo perfecto para desarrollarse. La chispeante narración del francés se conjuga perfectamente con los dibujos de su colega para darnos un cómic, por encima de todo, divertido, plagado de referencias en forma de chistes y chascarrillos, a veces malos, a veces geniales. Sigue a Idomeno y a su fiel escudero Aeson y te encontrarás con bellas muchachas, feroces asesinos, monstruos casi robóticos, escenarios increíbles, y una casi perenne sonrisa en los labios.

Vista la viñeta de muestra, ¿alguien adivina dónde transcurre la primera aventura de nuestros intrépidos investigadores?

EL RETORNO DEL HÉROE

ULISES


Título Original: Ulisse


Año: 1954


Duración: 117 min.


País: Italia


Dirección: Mario Camerini


Reparto: Kirk Douglas, Silvana Mangano, Anthony Quinn, Rossana Podestá.

En Itaca las esclavas se afanan en los telares, mientras la reina Penelope intenta ver presagios que le confirmen el regreso de su ausente marido, Ulises. El palacio real ocupado por los pretendientes es una fiesta continua, y mientras esperan ser elegidos para ocupar el lugar del rey escuchan las historias que se cuentan sobre la Guerra de Troya y su final, de como Ulises profanó el templo de Neptuno, y fue maldecido por la adivina Casandra. "Malditos todos, griegos profanadores, y tú, Ulises, tres veces maldito. Aguarda que la ira de Neptuno caiga sobre ti. Ya no conocerás nunca más la paz, y morirás en el abismo de los mares."

"Ulises" fue una de esas producciones que marcaron época. Considerada la mejor adaptación hasta la fecha de "La Odisea" en el cine, fue un proyecto italiano que contó con ayuda de Francia y la intervención de estrellas del cine americano como Kirk Douglas y Anthony Quinn (éste último méxicano). A pesar de las diferencias con el texto de Homero la película se convirtió en un tremendo éxito que propició el surgimiento de todo un genero en Italia, el peplum. En este nuevo genero el segundo director de la película destacaría años después por encima de los demás, se trataba de Mario Baba, responsable por ejemplo de las dos películas de Hércules protagonizadas por Steve Reeves.

Filmada hasta donde fue posible en la localizaciones reales en las que discurre el mito, menos en Itaca por culpa de un terremoto, la película a pesar de los años tiene una frescura envidiable. Únicamente, como es lógico, rechinarán para las nuevas generaciones los efectos especiales, ya muy superados por las nuevas tecnologías de tratamiento de las imágenes. Sin embargo las interpretaciones y el guión siguen siendo geniales, y la película es una verdadera gozada, a pesar de que a Kirk Douglas nunca acabó de convencerle. Y por supuesto Rossana Podestá sale haciendo de Nausícaa, pero ¿qué tendría esta chica que todos los directores querían enfundarla en túnicas cortas?

Las armas usadas en la película se basaron en réplicas realizadas de armas y armaduras de los museos de Atenas, Roma y Nápoles. Así mismo el vestuario de Silvana Mangano, que realizaba dos papeles, el de  Penélope y Circe, fue diseñado por Madam Grés, una modista y escultora francesa de fama internacional, admiradora de la cultura clásica. Estamos ante una de esas producciones que crearon escuela, y que hay que ver al menos una vez en la vida, aunque sólo sea por las magníficas escenas del final en la lucha contra los pretendientes. Además con "Ulises" se va completando ese mosaico que forman las películas dedicadas a la Guerra de Troya, y sus consecuencias, los llamados Regresos. Si con "La leyenda de Eneas" asistimos al destino final de uno de los guerreros troyanos, con "Ulises" seguimos el camino del más astuto de los griegos.

LOS ARGONAUTAS

EL VELLOCINO DE ORO



Título Original: The Golden Fleece



Autor: Robert Graves



Año de Publicación: 1944



País: Inglaterra




Anceo el lélege, procedente de la isla de Samos, es abandonado en la mayor de las islas de los Honderos, Mallorca. Los habitantes conducen al griego ante la Suma Sacerdotisa que habita en la cueva  del Drach. La sacerdotisa envía al anciano guerrero a ser juzgado por su hija, la Ninfa de las Naranjas. Las respuestas del interrogatorio no convencen a la ninfa que ordena a sus hombres que den caza y acaben con el último de los llamados argonautas.

La mayor aventura colectiva de la mitología griega tiene en el libro de Robert Graves su mejor reflejo novelístico. El mito de los argonautas va a ser relatado desde sus orígenes hasta su final por el maestro de la narrativa histórica clásica. Los antecedentes del viaje, el reclutamiento de los navegantes, el viaje, la misión, y el final de todos y cada uno de sus participantes, es relatado de forma magistral por el poeta y escritor inglés, en un libro que para muchos es todo un clásico.

Graves, como suele ser habitual en sus libros sobre mitología, pretende racionalizarlo todo, contarlo buscando una explicación desprovista de elementos fantásticos. Así "El vellocino de oro" se acerca más a una novela histórica que a una novela mitológica en su sentido pleno. Es un relato de una expedición llena de aventuras, pero en la que los seres fantásticos han desaparecido y los dioses sólo forman parte del mundo de las ideas religiosas. Los protagonistas son simples héroes aunque algunos sean un tanto especiales. Lo mejor de la novela es la caracterización de los argonautas. El autor inglés consigue de verdad que la novela refleje una hazaña colectiva, y no sólo la aventura de Jasón y sus amigos. Butes, el criador de abejas ateniense, puede ser tan importante como Orfeo, el músico tracio. La reinterpretación del mito por parte del autor no está exenta de grandes dosis de erudición, y las leyendas griegas son contadas en ocasiones por los protagonistas pero sin perder de vista en ningún momento el entorno realista de la aventura.

Para los aficionados a la mitología quizás choque este enfoque excesivamente realista del mito de los argonautas, pero a pesar de ello el libro es una auténtica delicia, y pocos llegan al nivel de Graves a la hora de narrar una historia. Una vez superadas las primeras paginas en las que el autor se pierde en explicaciones a veces demasiado extensas para el profano, y desde el momento en que comienza la selección de los miembros de la tripulación del "Argos", la novela entra en una narración fluida, llena de intensidad, y de esa magia poética que el escritor sabía infundirle a casi todos sus escritos. "El vellocino de oro" es una excelente novela, de lo mejor que ha salido de la pluma de Robert Graves, y para mi personal gusto, también de lo mejor que se ha escrito sobre narrativa mitológica. Ya sólo queda abrir el libro y disponerse a navegar hacia la Cólquida en compañía de la mejor tripulación que jamás haya existido. 

REVOLUCIONARIOS DE CINE

LOS PROTAGONISTAS DE LA REVOLUCIÓN FRANCESA

La Revolución Francesa supone el acontecimiento histórico que termina con todo un sistema de vida, y el que comienza uno nuevo. Para los historiadores la Revolución acaba con la Edad Moderna y da paso a la Edad Contemporánea sentando las bases de lo que va a ser nuestro actual modelo de Estado. Los hombres que pusieron en marcha los bruscos mecanismos del cambio han pasado a la Historia, y su papel no pasó desapercibido para el cine. 

Mirabeau (1749-1791) Honoré Gabriel Riquetti conocido por su título, es decir el de Conde de Mirabeau, fue escritor, periodista, diplomático, y por supuesto, revolucionario. Sin embargo el conde era partidario de una monarquía parlamentaria siguiendo el modelo inglés. Fue Presidente de la Asamblea Nacional Constituyente. Murió de muerte natural.  El relato realizado del conde en 1789 por Bozé se exhibe en el Palacio de Versalles. El polifacético Peter Ustinov encarnó al moderado revolucionario en "Historia de una revolución" (1989).
Jean-Paul Marat (1743-1793) El médico y científico francés se convirtió en uno de los revolucionarios más extremos dentro del ala de los jacobinos. Estableció el Comité de Vigilancia para eliminar a los contrarrevolucionarios, y apoyó las masacres de septiembre donde miles de presos fueron ajusticiados. Una enfermedad de la piel le obligaba a tomar frecuentes baños, durante uno de ellos Charlotte Dorday lo apuñaló. Se decía que ella había entrado a presencia de Marat con la excusa de entregar una lista de contrarrevolucionarios. Marat reclamó la lista con la escueta frase: "Serán todos guillotinados"; pero sólo recibió la puñalada mortal. El magnífico cuadro de David de 1793, joya del Museo del Louvre, muestra precisamente el momento siguiente a su muerte. En la delirante "Marat/Sade"(1967) Ian Richardson realiza el papel del médico Marat.
Jacques-René Hebert (1757-marzo de 1794) Editor del periódico radical "El padre Duchesne" fue un furibundo antireligioso casado con una antigua monja. Partidario de la guerra y de acabar con Maria Antonieta consiguió la condena de la reina, pero también él acabó haciéndole una visita no deseada a Madam Guillotina. Su retrato apareció en 1845 en una edición sobre la Historia del periodismo y los periodistas en la Revolución francesa. En "Historia de una revolución" (1989) Georges Corraface es el periodista radical.
Georges-Jacques Danton (1759-abril de 1794) Abogado que se convirtió tras la muerte del rey en una de las figuras más importantes del nuevo régimen instaurado por la Revolución. Presidente de los cordeliers sus enfrentamientos con Robespierre le llevarían a la Guillotina, no sin antes exclamar: "De lo único que me arrepiento es de irme antes que esa rata de Robespierre". El retrato del revolucionario realizado por Charpentier en 1792 se guarda en el Museo Carnavalet en Paris. El film dedicado a esta figura histórica titulado "Danton"(1983) fue protagonizado, como no, por Gerard Depardieu.
Camille Desmoulins (1760- abril de 1794) El abogado que balbuceaba en su discursos se convirtió en uno de los más influyentes revolucionarios, amigo de Dantón y Robespierre, se asoció a los cordeliers, y con el tiempo su crítica al sistema de Robespierre le costaría la cabeza. Al subir al cadalso pronunció aquello de: "Mi crimen es haber derramado lágrimas". Un retrato de Desmoulins realizado por Rouillard en 1835 se conserva en el Palacio de Versalles. Vincent Cassel es el joven revolucionario en "Jefferson en Paris"(1995). 
Maximilien Robespierre (1758-julio de 1794) El abogado y político revolucionario conocido como "El incorruptible". Líder de los extremistas jacobinos desató el régimen conocido como "El Reino del Terror". "El terror, sin virtud, es desastroso. La virtud, sin terror, es impotente." Con semejante máxima era de esperar que diera trabajo a la guillotina, y efectivamente después de mandar a muchos al terrible aparato, él mismo se convirtió en su víctima. El óleo de Vigneron de 1785 que también pertenece a la galería de retratos del palacio de Versalles muestra a un Robespierre joven antes de que se convirtiera en el despiadado líder revolucionario. Numerosos films tiene a Robespierre como invitado o protagonista. En la miniserie dedicada a  "La Pimpinela Escarlata"(1999-2000), Ronan Vibert está muy bien caracterizado como Robespierre.
Louis de Saint-Just (1767-julio 1794) El revolucionario conocido como el "Arcángel del Terror" era un furibundo jabocita partidario de las medidas más extremas, y de las ejecuciones sumarias. Su carita de ángel que le había valido el sobrenombre ocultaba una fiereza sin igual. "No más compasión, no más debilidad con los culpables". Tampoco tuvieron compasión de él y acompañó a su amigo Robespierre a la guillotina. En el Museo de Bellas Artes de Lyon se guarda el más conocido retrato del angelical revolucionario realizado por Prud´hon en 1793. Jess Barker es Saint Just en "El reinado del terror"(1949).
Fouquier-Tinville (1746-1795)  Antoine Quentin  Fouquier-Tinville se convirtió en el más corrupto fiscal que llegó a tener la Revolución. Primo de Desmoulins utilizó la influencia de su pariente para ascender en la jerarquía jurídica. Al final él era el responsable como acusador público de prácticamente todo el proceso de enviar a la guillotina a los acusados. Fue el acusador de Charlotte Corday, de María Antonieta, de los girondinos, y los dantonistas. Finalmente también él pasó por el banquillo, acusado de condenar a inocentes, mandar a la muerte a personas sin juicio, de ejecutar a unos en sustitución de otros, etc. A las acusaciones contestó algo que se ha convertido en la típica excusa de numerosos canallas: "No soy yo quién debería estar aquí, sino los jefes que me dieron las ordenes y que yo ejecuté". Un retrato a carboncillo durante su proceso fue realizado por Dominique Vivant. En el film "Charlotte Corday"(2008) Thierry  Gibault hace el papel del acusador.
Collot d´Herbois (1749-1796) Jean Marie Collot d´Herbois actor y dramaturgo furibundo revolucionario partidario de las más extremas medidas. Cuando vio su cabeza peligrar conspiró contra Robespierre, y aunque se salvó de la guillotina murió de fiebre amarilla durante su prisión en la Guyana francesa. Un grabado de Bonneville ilustró un libro sobre la Revolución Francesa con la cara del actor revolucionario. Steve Kalfa es el revolucionario en "Historia de una revolución"
La Fayette (1757-1834) Gilbert du Motier, también conocido como el Marqués de La Fayette, fue un aristócrata metido a militar que participó primero en la Guerra de Independencia americana, y luego se alió con los revolucionarios en su propio país. Después de la toma de la Bastilla fue nombrado comandante en jefe de la guardia Nacional. Pronto las facciones más radicales de la Revolución comenzaron a desconfiar del aristócrata que tuvo que huir en 1792. El retrato realizado en 1834 por Court y conservado en Versalles se recrea en la figura de La Fayette vestido como general. "La Fayette" (1961) con Michel Le Royer como protagonista narra los años del aristócrata en la Guerra Americana.